Bucurie și furie în echilibru: arta lui Lorraine O’Grady

O’Grady s-a născut în Boston, a doua fiică a imigranților jamaicani. Ea a crescut în Roxbury, un cartier cu populații de culoare, irlandeză și evreiască nou sosite, situat la doar câteva străzi de filiala principală a orașului a Bibliotecii Publice din Boston și Muzeul de Arte Frumoase.

O fotografie oferită de Brooklyn Museum; Jonathan Dorado prezintă o vedere de instalare, Lorraine O'Grady: Both/And, cu un videoclip cu părul ei de rasă mixtă, între peisaje de Frederic Church și Thomas Cole, etajul cinci, Muzeul Brooklyn din New York. Un sondaj la muzeu radiază indignare, chiar dacă găsește frumusețe și putere într-o serie de identități. (Muzeul Brooklyn; Jonathan Dorado prin The New York Times)

Scris de Holland Cotter

În anii 1960, unii dintre noi consumau droguri, făceau gene și făceau eșantion de religii globale pentru a ne elibera de ceea ce vedeam ca o gândire binară în stil occidental, o viziune asupra lumii bazată pe opoziții strict bine-rău, corect-greșit. : alb versus negru, hetero versus gay, noi versus ei. Cinci decenii mai târziu, o astfel de gândire încă domină într-o națiune roș-albastru, ceea ce face ca retrospectiva carierei lui Lorraine O’Grady la Muzeul din Brooklyn să fie un eveniment corectiv major.

Artista își manifestă propria rezistență la oricare/sau chiar în titlul spectacolului ei: Lorraine O’Grady: Both/And. Deoarece, de-a lungul unei lungi cariere – acum are 86 de ani – ea și-a modelat în mod constant arta pe un model diferit, unul de perechi echilibrate dus-întors: personal și politic; acasă și lumea; mânie și bucurie; idei solide și o notă formală ușoară.

Deși organizatorii spectacolului — Catherine Morris, un curator senior la muzeu; scriitoarea Aruna D’Souza; și Jenée-Daria Strand, asistent curatorial – și-au împletit arta prin mai multe galerii pe patru etaje, nu suntem în țara de succes aici. Cea mai mare parte a acestui sondaj ar putea fi probabil strânsă în câteva valize de mână. Cele mai multe dintre lucrările ei majore au fost spectacole unice care supraviețuiesc acum ca fotografii și note scrise de mână.

Scrisul este un element important în munca ei. Cel mai vechi proiect al ei, datând din 1977 și marcând debutul ei ca artist vizual, este un set de poezii-colaje compuse din fraze decupate din numerele The New York Times. Prezența lor, împreună cu cazurile de material de arhivă - litere îngălbenite, liste, diagrame, declarații - fac din spectacol o experiență de încetinire, o masă bogată în fibre după un an de pandemie care favorizează bomboanele online.

plante și arbuști din curtea din față

Iar arta ei este produsul unei istorii personale texturate, una cu câteva linii directe. O’Grady s-a născut în Boston, a doua fiică a imigranților jamaicani. Ea a crescut în Roxbury, un cartier cu populații de culoare, irlandeză și evreiască nou sosite, situat la doar câteva străzi de filiala principală a orașului, a Bibliotecii Publice din Boston și a Muzeului de Arte Frumoase. În copilărie, O’Grady a petrecut mult timp în ambele, interesul ei timpuriu fiind înclinat spre literatură.

O fotografie furnizată de Garrett Bradley și Muzeul de Artă Modernă; Robert Gerhardt prezintă o scenă din Lime Kiln Club Field Day, un film nelansat din 1914, care este extras din America lui Garrett Bradley, instalația sa video pe patru ecrane de la Muzeul de Artă Modernă din New York. Instalația video elaborată a lui Bradley, care reactivează momente liniștite și remarcabile din viața neagră de la începutul secolului al XX-lea, se află la MoMA. (Garrett Bradley și Muzeul de Artă Modernă; Robert Gerhardt prin The New York Times).

După ce a absolvit facultatea, unde s-a specializat în economie și limbi străine, ea a început o carieră episodică centrată pe scris. A lucrat ca cercetător și traducător pentru Departamentul Muncii din Washington, apoi s-a mutat în Europa pentru a începe un roman. La începutul anilor 1970, ea a fost în New York, contribuind cu recenzii rock la The Village Voice și predă cursuri despre Dada și scris suprarealist la School of Visual Arts. A ei a fost o viață distinctă atât/și, la care, în 1977, a adăugat arta.

Acest lucru a început aproape accidental. După o procedură medicală în acel an, ea i-a mulțumit medicului ei cu un cadou de Valentine de casă: un colaj-poezie cu fraze pe care le-a tăiat din Sunday New York Times. Apoi, pentru ea însăși, în următoarele șase luni a făcut două duzini. Trei dintre originale sunt la etajul al patrulea Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art, unde este instalată cea mai mare parte a spectacolului. În acest context, ele par emblematice ale unei vieți care a fost, până în prezent, ea însăși un colaj de interese și influențe.

Următorul pas logic a fost să se prezinte pe scena profesională. Ceea ce a întâlnit au fost niveluri de segregare de facto. Lumea artei predominant albă nu a avut timp pentru ea ca o auto-descrisă afro-americană din Caraibe. Mica, strâns împletită, în mare parte masculină, lumea artei negre nu avea loc pentru ea ca femeie. Mișcarea de artă feministă din clasa de mijloc albă a permis intrarea, dar a ținut-o la distanță.

În mod caracteristic, răspunsul ei a fost să lovească mai degrabă decât să se retragă, și a făcut acest lucru prin artă: spectacole în stil gherilă în personajul Mlle Bourgeoise Noire (Miss Black Middle Class), o regină a frumuseții îmbătrânită, dar plină de veselie și plină de gură, care s-a îmbrăcat într-o rochie. cusute din mănuși albe formale și apărute, neinvitate, la evenimente de artă publică.

În această formă, în 1980, ea a prăbușit o deschidere la Just Above Midtown, o galerie din Manhattan cu o listă de negru, strigând că arta neagră trebuie să își asume mai multe riscuri! Ea a continuat cu o apariție la deschiderea unei expoziții de artă performantă în întregime albă la Noul Muzeu, unde a contestat pretenția instituției de a fi un spațiu alternativ și a declarat că o invazie este iminentă.

diferite tipuri de plante de casă de iederă

Rochia cu mănușă albă a doamnei Bourgeoise Noire este în spectacolul din Brooklyn, la fel ca și o serie de fotografii care documentează apariția ei în Noul Muzeu. Radiază de mare indignare și umor viclean, aceste gesturi acum clasice de revendicare a spațiului feminist negru se simt cu ani înaintea timpului lor, la fel ca o a doua operă majoră de performanță câțiva ani mai târziu.

În 1983, după ce o colegă din mișcarea feministă i s-a spus că arta de avangardă nu are nimic de-a face cu oamenii de culoare, O’Grady a decis să demonstreze contrariul participând la Parada Afro-American Day din Harlem. Pentru o piesă de performanță intitulată Art Is... ea a angajat un flotor și interpreți care să călătorească pe el, fiecare purtând o ramă de fotografie aurita goală. În timp ce plutitorul își croia drum pe bulevardul Adam Clayton Powell Jr., interpreții au coborât în ​​stradă și au invitat spectatorii să pozeze pentru fotografii în cadrul cadrelor, pentru a fi transformate în artă. Piesa a fost un hit. Oamenii cărora li s-au făcut portretele au fost - îl puteți vedea în fotografii - exuberant. (Și este încă un succes: a inspirat un videoclip produs de campania Biden-Harris din 2020.)

O’Grady era și el pe flotor, zâmbind, urmărind această operă publică de artă conceptuală care se desfășoară. Preferatul meu dintre piesele ei de performanță, totuși, datează de un an mai devreme și era mai privat. Intitulat, Rivers, First Draft sau The Woman in Red, este un fel de Pilgrim’s Progress semi-autobiografic. Montată într-o zi de vară, într-un colț îndepărtat al Parcului Central, piesa reactivează simbolic scene din viața artistului. Un actor îmbrăcat în alb își joacă rolul mamei ei distante și impecabile; un altul îl joacă pe O’Grady ca un copil visător și livres. Iar artista, îmbrăcată în roșu pasional, joacă o versiune a sinelui ei adult în schimbare. Sunt jucate traume – pierderi romantice, ciocniri politice, chiar un viol – dar narațiunea, desfășurată ca o piesă de mister medievală și surprinsă în 48 de fotografii color, se termină cu o plimbare ritualică prin apele vindecătoare și ceea ce se simte ca o stare de pace.

Familia este subiectul recurent al acestui artist. Iar Albumul de familie Miscegenated (1980/1994), poate cea mai familiară lucrare a ei, este alcătuit din imagini pereche ale a doi dintre ei: regina Nefertiti și copiii ei reprezentați în sculpturi din dinastia a XVIII-a și sora mai mare a lui O'Grady, Devonia, care a murit. în 1962, lăsând copii în urmă, așa cum se vede în fotografiile de familie.

Sharon fruit vs. curmal

Expusă în galeriile de artă egipteană antică de la etajul al treilea ale muzeului, piesa este o meditație asupra legăturilor umane - fraternitate, maternitate, îmbătrânire - de-a lungul timpului. Dar este vorba și despre o istorie nemuritoare a rasismului: istoricii occidentali au văzut în mod tradițional cultura egipteană antică ca fiind prea clasică/albă pentru a fi africană și prea africană/neagră pentru a fi europeană. O’Grady și familia ei biracială din Jamaica-Boston sunt repartizați într-un limbo similar, lăsați plutind printre identități - africane, americane, afro-americane, caraibiene - fără a fi ancorați în niciunul din nicio lume.

Faptul că participă la toate aceste identități și că aceasta este o sursă a frumuseții și puterii lor, pare să fie mesajul videoclipului unic al show-ului, Landscape (Western/Hemisphere), realizat în 2010/2011. Instalat în galeriile Arts of the Americas de la etajul al cincilea și amplasat între picturile grandioase și acaparatoare de New World de Frederic Church și Thomas Cole, videoclipul pare la început a fi o imagine continuă a frunzișului dens și foșnet. De fapt, este un prim plan al părului de rasă mixtă a lui O’Grady, pentru a împrumuta descrierea lui D’Souza din catalog. Cu nuanțele și culorile sale întunecate și deschise și texturile sale ondulate și drepte, este un exemplu întruchipat al ambelor/și.

Pe lângă faptul că este co-curatorul retrospectivei, D’Souza este redactor la Lorraine O’Grady: Writing in Space, 1973-2019, o carte cu scrierile artistului publicată de Universitatea Duke anul trecut. Este o lectură captivantă de la copertă la copertă, nu este surprinzătoare având în vedere rădăcinile artistului în literatură. Și datele conținutului său și cele ale lucrărilor din Brooklyn aproape coincid, cu excepția celei mai recente piese a spectacolului.

Intitulat Announcement of a New Persona (Performances to Come!), și datat 2020, este o serie fotografică care o prezintă pe artista însăși sub masca unui cavaler rătăcit în întregime - într-adevăr, invizibil - învelită într-un costum de armură în stil medieval pe a treia. podea. Armura semnalează disponibilitatea pentru luptă sau retragerea de autoprotecție? Îl vezi și te gândești la conquistador (rău), până când vezi un palmier în miniatură (bun) care răsare din cască, sugerând moștenirea ei Caraibe/Jamaicană. Semnificațiile precise, precum spectacolele promise, nu au fost încă dezvăluite. Dar în mod clar, ceva atât/și este în sus, conceput cu acuitatea morală, inteligența și galanteria umană care au marcat întotdeauna standardul pe care acest artist îl poartă în domeniu.