Interviul Sandeep Narayan: „Vreau ca concertul meu să fie cât mai autentic și cât mai real posibil”

Sandeep Narayan, vocalistul clasic Carnatic, crede în valorile contemporane, chiar și practicând ceea ce este considerat o artă conservatoare. Curios să știi cine a fost vedeta-muzician care l-a instruit și i-a modelat perspectivele în artă și viață? Citiți această conversație captivantă.

Sandeep Narayan, vocalist clasic Carnatic, cântă la un concert. (Foto expres: Ramanathan Iyer)

Scoaterea unui copil din școală în SUA în anii de formare și trimiterea sa la Chennai să învețe muzică carnatică a fost o idee destul de neortodoxă în anii '90. Nimeni nu mai făcuse acest lucru înainte, dar Narayanii din Los Angeles erau atât de iubitori de muzică carnatică încât au crezut că fiul lor talentat nu trebuie să rateze avantajul pe care copiii de vârsta lui îl aveau în Chennai.

Fiul lor avea doar 11 ani și era înclinat în mod natural spre muzică, deoarece tot ce a auzit acasă încă din copilărie era muzica carnatică. Învățase muzică carnatică de la vârsta de patru ani de la mama sa Shubha Narayan, care însuși avea un pedigree muzical bine-cunoscut. Dar pe măsură ce tânărul a devenit prea jucăuș, părinții lui au crezut că ar trebui să învețe formal de la un alt guru. Ei l-au întrebat pe maestrul de flaut din Chennai, N Ramani, care îl învăța pe flautul fratelui mai mare al lui Sandeep, dacă poate ajuta. Ramani, după ce s-a gândit considerabil, a sugerat ca băiatul să vină în India și să învețe de la Calcutta KS Krishnamurthi, un muzicolog bine cunoscut și un profesor foarte căutat de interpreți superiori.

Pentru Krishnamurti, cererea a fost puțin neobișnuită, deoarece nu a învățat niciun NRI, darămite un copil, cu excepția probabil celor din familiile care s-au mutat definitiv în India. A încercat din cauza lui Ramani, a fost impresionat de pregătirea timpurie și de pricepere a băiatului și i-a permis să învețe sub el.

Băiatul a rămas în India aproximativ 18 luni cu mama sa și a urmat o pregătire destul de riguroasă sub Krishnamurti, care a fost plină de cursuri, concerte și practici implacabile. Când s-a întors în SUA, avea o bază solidă, o afinitate mult mai puternică față de muzica clasică și o dorință profundă de a o face mare în muzica carnatică. El a continuat să se antreneze sub Krishnamurthi prin înregistrările și cursurile sale directe din Chennai în timpul vacanțelor de vară și de iarnă.

Citiți | Surorile Akkarai: „Muzica carnatică este o artă spontană, nu ceva care poate fi repetat la perfecțiune”

Din păcate pentru băiat, Krishnamurti a murit în trei ani și a rămas fără un profesor de același calibru. Dar de data aceasta, familia nu a trebuit să caute un alt guru, deoarece băiatul, acum în adolescență, își pusese deja ochii pe un nou guru, care era deja o stea în sine și un discipol superior al lui Krishnamurti . Băiatul, care se află încă în SUA și face călătorii bianuale în India, a învățat de la noul său guru în următorii 15 ani și este acum unul dintre puținii muzicieni carnatic contemporani care a însușit un stil unic propriului său guru. Pregătirea cu noul guru a schimbat viața, iar băiatul s-a mutat definitiv la Chennai în 2006, după terminarea studiilor universitare. Acum este una dintre vedetele de vârf ale tinerei generații de muzicieni Carnatic și primul copil indian-american care a făcut din muzica Carnatic o carieră în India.

Aceasta este povestea lui Sandeep Narayan, tipul rece al muzicii carnatice, cunoscut pentru un stil bogat în clasicism, expresii și improvizație. El este un cântăreț de primă oră în Sabhas din Chennai, inclusiv Academia de muzică Madras și este un interpret foarte căutat în alte orașe indiene. El este, de asemenea, unul dintre tinerii muzicieni clasici care sunt capabili să ducă arta la noua generație și să încrucișeze publicul.

Sandeep, dotat cu o voce atractivă, flexibilă și capabilă să se deplaseze fără efort peste octave și remarcat pentru stilul său profund expresiv, este un interpret încântător care atrage cunoscători impresionanți ai muzicii clasice din toate categoriile de vârstă, atât în ​​Chennai, cât și în alte părți. Este destul de priceput la toate aspectele cântării clasice și stilul său este bogat în gamaka bine sculptate, briga și sunete muzicale atractive care fac ca muzica carnatică să fie atrăgătoare chiar și pentru laici. Laya inerentă a cântării sale, atât la viteză mică, cât și la viteză mare, conferă o anumită claritate, echilibru și un mers plăcut muzicii sale. Tehnicile sale clasice bine perfecționate și expunerea informată la alte forme de muzică și arte fac ca improvizațiile sale să fie fermecătoare și convingătoare, fie că este vorba de cântec raga, neraval (improvizația de a canta un refren din compoziția principală), kalpanaswaras (în care cântărețul se implică în o prezentare imaginativă a notelor raga) și cel mai important, Raga Tanam Pallavi (RTP), care reprezintă versatilitatea tehnică și creativă a unui cântăreț Carnatic.

Sandeep primește numeroase onoruri regionale și naționale. A fost cel mai bun concertist la Academia de Muzică și a primit multe titluri, cum ar fi Ustad Bismillah Khan Yuva Puraskar de la Sangeet Natak Akademi anul trecut.

nume și imagini de flori roz

Ceea ce îl face puțin unic este și faptul că nu este un cântăreț conservator Carnatic în stil vechi. Probabil, îl poți numi conservator contemporan, ceea ce înseamnă că el crede în valorile contemporane chiar și în timp ce practică ceea ce este considerat o artă conservatoare. Și muzicieni ca el demonstrează că chiar și o artă veche, cum ar fi muzica carnatică, poate fi destul de contemporană și de perspectivă.

Curios să știi cine a fost vedeta-muzician care l-a instruit și i-a modelat perspectivele în artă și viață? Citiți această conversație captivantă.

Sandeep Narayan primește SNA Yuva Puraskar de la guvernatorul Manipur Najma Heptullah în 2019.

Lasă-mă să încep de la început. Ai fost un pionier ca primul copil indian-american care a ales să urmeze muzica carnatică ca carieră în India. Cum s-a întâmplat și ce simți când privești înapoi? A trebuit să suferi multe ajustări ale stilului de viață?

În acel moment, probabil că nu știam ce să fac și a fost un fel de experiment care a funcționat în cele din urmă. Știam cu siguranță că vreau să fiu în muzica carnatică și se putea face numai în Chennai. În ceea ce privește ajustarea stilului de viață, nu am avut o problemă, deoarece muzica era mai importantă decât orice altceva: să învăț muzică, să merg la concerte și, eventual, să cânt. Acestea au fost obiectivele. De fapt, nu sunt de acord cu oamenii când spun că nivelul de trai este mai puțin aici, deoarece depinde de ceea ce căutați și de valorile voastre. Pot susține că standardul de trai este de fapt mai bun aici. Obțineți multe lucruri care vă fac viața mai fericită aici, mai ușor. De exemplu, dacă vreau să iau o ceașcă de chai, nu trebuie să conduc la Starbucks, pot merge câțiva metri până la orice tea kadai (magazin)! Am și prieteni minunați aici. Sincer, sunt destul de fericit.

A fost ușor să se adapteze cu un guru indian într-un sistem de muzică care pare destul de conservator chiar și astăzi?

Primul meu guru din Chennai, KSK Mama (KS Krishnamurti), nu era foarte ortodox și ne înțelegeam foarte bine. A fost amuzant faptul că a existat acest copil de 11 ani, cu un accent american foarte puternic, care a vrut să învețe muzică de la un vidwan senior. Era puțin sceptic, dar după ce m-a auzit cântând, a fost fericit. După prima noastră clasă, mi-a spus că va începe să mă învețe la un nivel superior, deoarece credea că sunt mai capabil decât copiii de vârsta mea. Ceva a făcut clic cu siguranță între noi.

Veneați în India din 1996 pentru a învăța sub Calcutta Krishnamurti și la trecerea lui, v-ați mutat la un alt guru și ați învățat sub el mult timp până când ați devenit destul de independent. Poți descrie evoluția ta ca muzician în Chennai?

KSK Mama m-a încurajat să explorez manodharma destul de devreme. Până în acel moment, făcusem foarte puțină muzică de improvizație, cum ar fi alapana, neraval, swaras etc. El mi-a învățat, de asemenea, multe raga-uri noi și a dat o altă direcție și profunzime căutării mele muzicale.

În 1999, când a murit, a trebuit să învăț de la altcineva și singura persoană pe care o aveam în minte era Sanjay Subrahmanyan. L-am cunoscut chiar înainte de a merge la KSK Mama pentru că familia noastră l-a cunoscut în timpul turneului său de concert în SUA în 1995. Chiar în copilărie, eram un mare fan al lui și îl urmăream religios din 1996-97. De câte ori eram în Chennai, mergeam la concertele lui și mă așezam în primul rând. De asemenea, a învățat de la KSK Mama împreună cu alți artiști cunoscuți, cum ar fi Sudha Raghunathan și P Unnikrishnan, printre alții. Am fost cu adevărat impresionat de vedete și, de asemenea, m-am gândit că este minunat că învăț de la același guru de la care învăța și Sanjay Subrahmanyan.

Citiți | Publicul vine să se bucure de muzică, nu să vă vadă vrăjitoria matematică: Neyveli Venkatesh

Așadar, când guru-ul meu nu mai era, l-am întrebat pe Sanjay dacă mă poate învăța. Eram absolut sigur în legătură cu alegerea mea, dar el a fost puțin ezitant pentru că, după ce a aflat de la KSK Mama, care era foarte în vârstă și mult mai în vârstă, a crezut că ar trebui să continui cu cineva din acea generație. Dar pentru mine, Sanjay a fost potrivirea perfectă. M-am înțeles atât de bine cu el și părinților mei le-a plăcut și asta.

Cu mine și Sanjay, a fost o nebunie. Vorbeam despre sport, filme, alte stiluri de muzică etc.

Mai înveți de la el?

Obișnuiam să învăț de la el în mod regulat până în 2014-15. Treptat, cursurile au devenit mai puțin frecvente datorită călătoriei mele în creștere și a programului său de călătorie deja ocupat. De asemenea, a vrut să învăț și să mă extind pe cont propriu. Sunt mai independent acum cu învățătura mea, dar îl consult cu orice întrebări muzicale pe care le am din când în când. De exemplu, cu doi ani în urmă, i-am trimis un mesaj dacă aș putea învăța câteva cântece și el a fost obligat imediat. Chiar și astăzi, dacă am ceva de clarificat în muzică, mă duc la el.

După cum știți, oamenii găsesc o mare influență a lui Sanjay în muzica dvs., inclusiv unele gesturi, maniere de sunet, sangathis etc.

Da, știu (râde). Dar cei care urmăresc Sanjay’s și muzica mea au observat și cum și când am divergent de stilul lui Sanjay Sir. Cei care ascultă în treacăt și știu că sunt studentul său, vor face desigur asociația respectivă și vor comenta orice asemănări, reale sau percepute.

Cealaltă influență este, de asemenea, abordarea sa față de concertul în sine. Există un anumit nivel de profesionalism pe care îl are și mi-a afectat și ceea ce îi sunt foarte recunoscător. El respectă alți artiști, organizații și public. El mi-a spus: Nu credeți că publicul este prost. Nu le luați niciodată de la sine. Acesta este un lucru la care îmi amintesc mereu și încerc să mă țin de concerte. Nivelul său de concentrare și seriozitate este uimitor: el deține acea sală, întregul spațiu, când se află într-un concert.

Este mai bine să-l numiți pe vocalistul Sandeep Narayan drept conservator contemporan, ceea ce înseamnă că el crede în valorile contemporane chiar și în timp ce practică ceea ce este considerat o artă conservatoare. (Foto expres: Rajappane Raju)

Stilul lui Sanjay ține mult de inovație. Cât de inovator ești pe scenă?

S-ar putea să merg la un concert gândindu-mă că voi cânta ceva, în special în acea zi, dar nu funcționează întotdeauna așa. În schimb, se poate întâmpla altceva. Vedeți, există o mulțime de muzică în cap în timp ce vă așezați pe acea scenă de concert datorită ascultării și învățării constante - de la popular la clasic - și dintr-o dată îți apare ceva în cap. Când se întâmplă astfel de lucruri, îmi place să explorez asta. Acesta este cu siguranță un lucru pe care l-am primit de la guruii mei și de la alți artiști. Dacă îți vine ceva în cap, explorează asta. Nu spune nu. Vedeți ce puteți face cu el în limitele structurii noastre, astfel încât să nu devină altceva. Concertul Carnatic nu este un concert de muzică de film, nici un concert de fuziune, dar în cadrul său, există încă posibilitatea creativității. Așa îmi place să o abordez.

Știați că practicați fără încetare ore întregi în primii ani. Acum, că sunteți ocupat cu concerte și turnee, cum vă descurcați?

În timpul recentului meu turneu în SUA, mulți copii m-au întrebat cât de mult ar trebui să exersezi pentru a ajunge la un anumit nivel. Răspunsul meu la asta a fost că nu există o formulă. Nu a existat niciodată o formulă pentru mine. Și cu siguranță este vorba de calitate peste cantitate. Trebuie doar să continuați să lucrați din greu și să aveți încrederea în voi că lucrurile vor da clic într-o zi. Când locuiam în SUA, practica era mult mai dificilă cu școala, facultatea etc. La facultate, chiar și găsirea unei locații era o problemă, deoarece împărțeam un apartament cu alți trei. Dar în acele zile, ascultam o mulțime de muzică pentru a compensa asta, iar când mergeam acasă în fiecare lună, exersam 2-3 ore în fiecare zi. Când m-am mutat la Chennai, nu erau atât de multe probleme și am putut practica cel puțin 2-3 ore dimineața și alte 2-3 ore după-amiaza sau seara în mod regulat. De asemenea, mergeam la concerte aproape în fiecare zi, indiferent cine era artistul. Cu alte cuvinte, mi-am umplut tot timpul cu muzică în acel moment. Multe dintre ele erau repetări.

Repetarea este modul în care funcționează știința. Repeti, ești perfect, nu-i așa?

Da, ceva ce ar trebui să țină cont de elevii de astăzi este că nu ar trebui să învețe doar un cântec și apoi să treacă la următorul. Un lucru care mi-a fost forat în cap devreme a fost că trebuie să cânți o melodie de o sută de ori. Asta au știut și au făcut cei mai buni artiști, în special de odinioară. Undeva la mijloc a fost uitat de mulți aspiranți la muzică. Și recunosc că uneori chiar și eu sunt victima acestei atitudini: cred că am învățat o piesă, am cântat-o ​​de câteva ori și acum vreau să o cânt într-un concert cât mai curând posibil. S-ar putea să funcționeze în acea zi și s-ar putea să fiu în siguranță, dar când cânt aceeași melodie după o lună, două luni sau șase luni, versiunea din acea zi și prima versiune ar fi la distanță de kilometri. Când cânți o melodie prima dată, doar o reciți, dar când o exersezi de atâtea ori pe parcursul unei perioade, poate deveni melodia ta. Nu mai recitiți ceva memorat, face parte din voi. Văd asta și astăzi. Repetarea este un lucru pe care l-am realizat de-a lungul anilor ca fiind atât de important. Cânt varnam-uri din nou și din nou. Viteze diferite, cu explorare gamakam diferită, lucruri diferite de genul acesta.

Acum, cu concerte și programe de călătorie, nu am reușit să exersez atât de mult, dar încerc să pun deoparte cel puțin una sau două ore pe zi. În zilele de călătorie, practica va fi ca o recapitulare a concertului: ce să cânt și ce să evit, pentru că nu aș vrea să repet cântecele și raga-urile pe care le-aș fi cântat mai devreme în același loc. De exemplu, de data aceasta când mergeam la festivalul Chembai din Guruvayoor, mi-am dat seama brusc că nu am cântat Rasavilasa (cântecul Swathi Thirunal în raga Kamboji) de foarte mult timp. Așadar, în timpul călătoriei cu mașina de la aeroportul Coimbatore la Guruvayoor, ascultam o înregistrare a acestuia și încercam să-mi reîmprospătez memoria. În cele din urmă, nu am ajuns să-l cânt pentru că a existat o cerere pentru o altă melodie, dar sunt fericit că mi-a revenit în memorie și intenționez să o cânt din nou în curând.

Se știe că muzicienii carnatici folosesc diferite tehnici de voce pentru a-și perfecționa cântarea, uneori chiar cu ajutorul specialiștilor în voce. Ai niste?

Ceea ce am realizat este că muzica noastră în sine are atât de multe exerciții încorporate. Chiar și lucrurile de bază, cum ar fi sarali-varisai și janta-varisai, sunt exerciții în sine. Din păcate, acestea au fost etichetate drept pasul de început al învățării unui varnam și când terminați cu asta, vă mutați în Swara Jathis și Geetham și aveți tendința de a nu privi înapoi. Dar acele lucruri sunt atemporale. Sunt niște exerciții atât de bune care au fost așezate pentru noi. Stă chiar acolo în primele cărți Geetham. Uneori le cânt pe ele în diferite ragă și la viteze diferite, păstrând în același timp claritatea. Acesta este un exercițiu vocal atât de uimitor. A devenit o provocare distractivă pentru mine.

Sandeep Narayan cântă la un concert în Templul Kapali din Chennai în 2019.

Chiar și Varnam-urile sunt exerciții atât de bune. Viteza merge lent până la rapid, tonul variază adesea de la foarte scăzut la foarte mare și facem swaram, sahithyam etc. Deci, exercițiile de voce vin de fapt cu muzica noastră. Trebuie doar să le explorăm și să le folosim în mod corespunzător.

Dar am discutat și cu profesioniști instruiți despre tipurile de exerciții de încălzire și răcire care vă pot ajuta să vă mențineți vocea. De obicei, nu credem că este necesară răcirea, dar este ca orice alt mușchi și orice alt antrenament într-o sală de sport și, în mod similar, este necesară disciplina și practica în ambele.

În zilele noastre, există o mare cerere de varietate și, prin urmare, un artist trebuie să își extindă în mod constant repertoriul. Te presează?

Poate că cu zeci de ani în urmă, se putea cânta același set de melodii mereu în oraș după oraș și, de asemenea, să lustruiască acele melodii în acest proces. Astăzi, însă, odată cu apariția rețelelor sociale și a platformelor digitale, nu puteți face acest lucru atât de mult. Dacă cânt un cântec sau raga într-un singur loc, toată lumea din alte orașe ar ajunge să știe aproape imediat. Dacă îl repet în curând în alt oraș, ei ar spune că cânt aceleași melodii peste tot și mi-ar spune că poate nu știu altceva! Așadar, cântarea unor cântece noi mai frecvent a devenit oarecum o necesitate. Dezavantajul este că, dacă cânți în permanență lucruri noi, nu poți intra mai adânc în melodiile pe care vrei să le stăpânești. Deci, cu siguranță poate fi multă presiune. Așa cum am menționat mai devreme, în mod ideal ar trebui să cânți o melodie de mai multe ori înainte de a o prezenta public, ceea ce poate pune și o presiune pe voce atunci când încerci constant să actualizezi repertoriul pentru fiecare concert.

Interviu cu Abhishek Raghuram: „Nu există bine și rău în artă. Pentru mine, este vorba de auto-exprimare '

Abordarea mea este de a aduce o prospețime chiar și în cântecele vechi, pe lângă cântarea altora noi. Nu este doar pentru public, ci și pentru mine. Dacă cânt astăzi ceva ce am cântat acum 20 de ani și dacă sună în continuare la fel, înseamnă ca muzician nu am crescut. Deși probabil artiștii ar fi putut scăpa de a cânta o melodie mai des decât astăzi, am observat, de asemenea, că cei mai mari artiști nu au găsit doar ceva care să funcționeze și să facă același lucru. În schimb, toți au continuat să evolueze. Vedeți o astfel de schimbare și maturitate în muzica lor de-a lungul anilor.

Dar maeștrii din trecut nu au avut acest tip de presiune pentru a-și extinde repertoriul

Nu știu sigur ce presiuni au avut sau nu au avut maeștrii din trecut. Dar bănuiesc că s-ar putea să fie adevărat și de aceea au reușit să cânte unele dintre melodiile lor de marcă care au devenit hiturile lor pe care le asociem cu ele. Să nu uităm că au introdus noi melodii și raga. Mi s-a făcut cunoștință cu câteva raga hindustane precum Durga și Gavathi prin muzica lui GN Balasubramaniam. Uneori i-au făcut pe raga celebri și alteori raga i-au făcut celebri. Dar a existat dinamism chiar și în această abordare. Piesa poate fi aceeași, dar au adus astfel de idei noi cântării swara, neraval etc. După cum știți, oamenii se referă chiar la acele cântece după datele lor de înregistrare. Artistul X a cântat o melodie de neuitat Y în anul Z. De ce fac asta oamenii? Pentru că, chiar dacă cântecul sau raga este același, interpretarea nu este. Dacă simțiți că după patru concerte un artist sună la fel, este posibil să nu mai aveți chef să-l ascultați. Artiști de succes de odinioară și astăzi au evitat întotdeauna să cadă în acea capcană. Aduc ceva diferit cu fiecare spectacol.

Sandeep Narayan cântă la un concert la Universitatea Carnegie Mellon, Pennsylvania, în 2013.

Mulți maeștri din trecut pe care oamenii îi idolatrează acum nu au primit recunoașterea cuvenită în timpul lor. Urmăriți vreuna din lucrările lor?

Au existat câțiva artiști despre care adesea simțim că sunt subapreciați în timpul lor în comparație cu competența și contribuția lor reală. Oamenii vorbesc întotdeauna despre medicul Ramanathan ca exemplu în acest sens. Simt că Thanjavur S Kalyanaraman a fost și el așa. Și, deși Madurai Somasundaram a avut destul de mult succes la vremea sa, el încă nu pare să intre în cărțile de istorie la egalitate cu unii dintre colegii săi ai vremii din orice motiv. În 2019 i-am sărbătorit centenarul nașterii, Somu 100, în multe locuri, dar înainte de asta cu greu auzeai oameni discutând numele lui și muzica lui în ultimii ani. Mi se pare destul de ciudat.

Nu este ciudat că oamenii vorbesc acum mai mult despre Kalyanaraman?

Astăzi este un erou de cult. Practic cred că era înaintea timpului său. De fapt, aud o mulțime de anecdote interesante despre SKR de la discipolii săi, membrii familiei și prietenii care l-au cunoscut personal. Unul dintre ele este modul în care a făcut multe cercetări în tehnicile vocale pentru a-și îmbunătăți propriile abilități. Datorită acestor tehnici, el ar putea menține precizia în sruthi și laya. De fapt, mi s-a spus că obișnuia să stea singur noaptea când totul era liniștit și își făcea exerciții de voce. De asemenea, el explorase dwi-madhyama panchama varjya ragas, ceva care era un concept pe care nimeni nu îl explorase cu adevărat, și era expert în vivadhi ragas. Oamenii se uită astăzi la munca sa cu multă admirație. Sau cel puțin, cu siguranță o fac.

Ori de câte ori sunt întrebat cine este singura persoană cu care aș dori să mă pot întâlni și să petrec ceva timp, el este întotdeauna cel care îmi vine în minte.

Deoarece proveniți dintr-un mediu socio-cultural diferit și sunteți expus la alte forme de artă și muzică din lume, vă influențează muzica?

Am ascultat întotdeauna o mulțime de western pop, rock, R&B, Hip Hop etc. Chiar și astăzi, o fac. Listele mele de redare Spotify sunt o combinație de artiști din SUA și Marea Britanie, precum și indieni. Ascultarea stilurilor de muzică non-carnatică este adesea o eliberare sau o ușurare pentru mine. Muzica carnatică mă atrage întotdeauna pe un accent profund și are creierul în permanență. Singura modalitate prin care o pot opri sau pentru a mă îndepărta de asta pentru o pauză este să ascult alte stiluri. Dar nu știu cât de mult a influențat muzica mea carnatică. Nu cred că pot aduce rap sau Hip Hop în carnatic (râde)!

Dar ar putea exista elemente în muzica populară sau în alte forme care ar putea îmbogăți sau adăuga culoare muzicii dvs. clasice

Aș spune că, probabil, melodiile vechi de film tind să se împrumute mai ușor muzicii carnatice, mai ales dacă sunt bazate pe raga. Sau diferite modele ritmice din alte stiluri. Este posibil să nu fie tradiționale, dar le putem aduce mult mai ușor în muzica noastră. De obicei, un pic din Jazz, deoarece există o mulțime de paralele. Nu cred că muzica rock se pretează prea mult la Carnatic, fără a intra în genul fuziunii.

Consider că Jazz este echivalentul occidental, sau mai bine zis american, al muzicii carnatice. Ambele sunt o muzică similară de improvizație. De multe ori mă întreb de ce oamenii nu încearcă tehnici de jazz în muzica carnatică, deoarece ar face concertele mai colorate chiar și fără a-și pierde clasicismul sau seriozitatea

Da, ai dreptate, Jazz este cel mai apropiat de Carnatic. Datorită termenului obișnuit clasic, toată lumea compară muzica clasică sud-indiană sau nord-indiană cu cea clasică occidentală în mod implicit. Dar dacă te uiți la aspectele tehnice și la prezentarea concertelor, Jazz este mai asemănător cu muzica carnatică. De exemplu, în timp ce au un refren, avem o linie dintr-un cântec sau un palavi în raga-tanam-pallavi. Pallavi este la fel ca a lua un refren ca în Jazz și a face o improvizație din nou și din nou. Între timp, Tanam este similar cu împrăștierea. Luăm doar câteva silabe care nu au niciun sens liric și care amestecă melodie și ritm.

O altă paralelă este nivelul de abilități de care aveți nevoie

Chiar și în ceea ce privește pregătirea, este foarte asemănător cu muzica carnatică. Abilitățile sau pregătirea lor pot fi despre cum să cânte, să cânte la pian, saxofon sau tobe. Este o pregătire tehnică. Și ascultă foarte mult. Artiștii din jazz cântă sau ascultă în mod constant ceva. Odată ce stăpânesc abilitățile tehnice, după un anumit punct intră creativitatea lor, deoarece și ei ascultă foarte mult. Ei au expertiza tehnică pentru a face tot ce le stă în cap. Acel mesaj din creier către vocea sau degetele dvs. este luat în considerare datorită abilităților dvs. tehnice. Este același lucru și în Carnatic.

O fotografie din filmul video Gopala Gokula Music de la MadRasana.

Dar este ciudat faptul că muzicienii de jazz provin din medii sărace, în timp ce Carnatic are un profil socio-cultural diferit, care este uneori acuzat că este exclusiv

Probabil că asta are legătură cu modul în care cultura a evoluat într-o comunitate. Da, datele demografice sunt foarte contrastante, în timp ce pregătirea, stilul și modul în care venim cu idei sunt atât de similare. Ca o structură paralelă. De aproape de la început.

Dar în Carnatic, nu există vreo formă de regimentare chiar și în improvizație, deoarece este controlată de un vechi sistem conservator?

Ei bine, aș spune că există încă câteva reguli chiar și în jazz: au un ciclu ritmic în desfășurare și, deși nu urmează un raga așa cum o facem noi, au un mod sau o scală. Există anumite note care vin în acest mod, ordinea notelor poate să nu fie foarte strictă și, din când în când, vor aduce o notă străină doar pentru contrast, dar se întorc. Ei își urmăresc în cea mai mare parte scările, ceea ce este similar cu ceea ce facem noi. Da, ai dreptate totuși. În muzica carnatică găsesc că există unii oameni care încearcă să impună o mulțime de reguli.

Uneori, chiar și o mică imperfecțiune sună bine, nu-i așa?

Nu cred în abordarea corectă și greșită. Este mai mult ca un bine și rău. Și acest lucru poate fi judecat pe baza experienței și maturității unui artist. De exemplu, există o identitate pentru un raga. Nu trebuie să auziți toate notele scalei pentru a ști că este un Todi sau un Sankarabharanam. Dintr-o frază poți ști ce raga este. Cum identificați un raga chiar dacă nu am cântat toate notele? Și de unde vine acest drept și rău? Prezentarea muzicală ar trebui să fie despre estetică și conexiunea pe care aceasta o creează. Personal, nu-mi place impunerea unor astfel de reguli pentru fiecare lucru mic.

Cântăreții din trecut, cum ar fi Madurai Somu și muzicienii contemporani precum Sanjay Subrahmanyan, au o mulțime de elemente neconvenționale în muzica lor care le fac un gen de la sine. Nu ești inspirat să faci ceva similar?

Amândoi sunt cu siguranță artiști foarte inspirați pentru mine. Dar nu vreau să fac în mod conștient ceva neconvențional doar de dragul de a avea propriul meu gen. Poate într-o zi mă voi uita în urmă și voi vedea că am făcut lucruri neconvenționale, dar aș vrea ca toate să fie naturale și să vină la momentul potrivit de una singură. Poate că asta va avea ca rezultat un alt gen, după cum spui. De multe ori îmi place doar să ascult ceva și să-i apreciez frumusețea, mai degrabă decât să o disec și să decid dacă este convențional sau dacă a intrat într-un spațiu nou. Noile spații se vor forma organic pe măsură ce cresc și pe măsură ce muzica mea se maturizează și mai mult.

Cât de importantă este legătura dvs. cu publicul?

Este extrem de important pentru mine. Dacă cânt într-o sală întunecată, voi cere organizatorilor să aprindă luminile pentru că nu vreau să cânt pe un perete negru. Vreau să văd oamenii, ochii lor, reacțiile lor, totul. Pentru mine, mă hrănesc atât de mult. Dacă nu simt că sunt alături de mine sau nu reacționează pozitiv, îmi schimb cursul pe loc. Este o conversație. Publicul îmi răspunde și îmi comunică în felul lor. Fără public, pentru cine cântăm? Acestea fac parte integrantă din experiența concertului. Când am un public foarte receptiv, simt că pot cânta orice. Mă simt ca supraom în acele zile. Dacă nu primesc niciun răspuns, pot începe chiar să mă îndoiesc.

Folosiți conexiunea cu publicul ca o tehnică pentru a obține feedback-ul lor?

Cred că în primele două melodii în sine veți putea localiza buzunarele din public care răspund cu adevărat la ceea ce faceți. Ochii mei și concentrarea mea vor tinde să revină la ei în mod natural. Nu o fac conștient, dar se întâmplă instinctiv. Uneori, instinctiv îi priviți o secundă suplimentară pentru validarea lor a ceea ce cânți, de asemenea, pentru că mi-au oferit în tăcere acel feedback până în acel moment.

Publicul din Chennai răspunde?

Da, absolut. Ar trebui să vă amintiți că în Chennai, publicul este expus la atâta muzică, astfel încât rasika medie în Chennai este destul de educată în muzica carnatică. Există un motiv pentru care toată lumea vine aici din întreaga lume. De ce m-am mutat din LA la Chennai? A-ți face un nume aici este cu adevărat provocarea. Publicul de aici este foarte exigent, dar vă va oferi feedback sincer.

Sandeep Narayan spune că se poate scăpa de anumite lucruri, cum ar fi trucurile limită în unele locuri, dar în Chennai trebuie să fii atent, deoarece publicul a văzut totul. (Foto expres: Rajappane Raju)

Cât de generoși sunt ei în a da feedback?

Puteți scăpa de anumite lucruri, cum ar fi trucurile limită în unele locuri, dar în Chennai trebuie să aveți grijă, deoarece publicul a văzut totul. Pot spune că am făcut turnee în toată lumea și am cântat pentru toate publicurile, dar Chennai îmi va răspunde că nu-mi pasă unde ai fost, trebuie să cânți pentru mine acum. (râde)

plante de noroc pentru usa din fata

Este umilitor în multe feluri. A primi o reacție pozitivă din partea unui public din Chennai înseamnă foarte mult. Și ei răspund, îi dau acolo unde trebuie. Dacă încercați să faceți ceva pentru a obține aprecierea lor, ei vor vedea prin asta. Dar dacă tu și muzica dvs. sunteți autentici, ei vor răspunde. S-ar putea să fiți surprinși când apreciază ceva când nu vă așteptați. Poate fi o verificare a realității.

Este frumusețea ecosistemului Chennai, deoarece asta susține această tradiție carnatică. Nu-i așa?

Da. Ecosistemul nu se referă doar la artiști, ci și la public. Fără ele, este posibil să nu ne împingem muzica la nivele superioare la fel de mult. Întotdeauna le spun studenților și artiștilor care locuiesc în afara Chennai să vină aici și să vadă ce fac oamenii din grupul lor de vârstă sau colegi din punct de vedere muzical.

Potrivirea bună are succes în Chennai și în alte părți, nu?

Acesta este echilibrul ideal. Aici, îți perfecționezi cu adevărat abilitățile. Între timp, spectacolele în alte locuri vă vor învăța cum să prezentați diferit pentru diferite audiențe. Ambele sunt necesare pentru a fi un interpret de succes.

Provocarea improvizației te face vulnerabil pe scenă?

Simt că cineva ar trebui să fie puțin vulnerabil pe scenă. Mă simt trist dacă un artist simte că ceea ce va prezenta pe scenă trebuie să fie perfect. În momentul în care începeți să faceți asta, nu vă explorați și nu vă extindeți creativitatea muzicală atât de mult cât sunteți capabil. Acum, sunteți mai îngrijorat de pachetul comercial. Încercați să mențineți un brand sau un nume pe care l-ați stabilit. Trebuie să existe un echilibru între standardul pe care l-ați stabilit în timp ce explorați în continuare creativitatea. Asta înseamnă că trebuie să fii într-o oarecare măsură vulnerabil în fața publicului.

Când urc pe scenă, o anumită parte din mine este încrezătoare și spune: Bine, aceasta este zona mea de confort. Dar dacă voi face doar ceea ce știu că este sigur și deja testat, atunci cum voi merge la următorul nivel ca artist? Vulnerabilitatea la care mă refer este să te deschizi publicului și să spui: hei, încerc ceva și să vedem împreună cum merge. Aceasta face parte, de asemenea, din conversația despre care am vorbit mai devreme.

Sandeep Narayan cântă la un concert la Kuthiramaligai, Thiruvananthapuram, în 2015.

Într-unul din concertele noastre de turnee din SUA, încercam un korvai complicat pe care îl practicasem suficient, dar nu funcționa doar în timp ce eram pe scenă. Nu a funcționat o dată, de două ori și a treia oară m-am gândit că se va întâmpla, dar nu a funcționat. În acel moment, ceva din creierul meu se oprea. Dacă aș fi avut un minut de tăcere pentru a gândi și a le rezolva, aș fi reușit să mă descurc; dar talamul se petrecea, publicul se uita și nu mai era timp să se gândească. În cele din urmă, am terminat cu un alt korvai. Dar când artistul mridangam a început să cânte solo, a jucat corect korvai. M-am alăturat imediat și l-am cântat cu el. Apoi am anunțat publicul că asta încercam să cânt. Am mai spus că, dacă nu l-aș fi obținut, nu aș fi putut dormi în noaptea aceea! (râde)

Aceste imperfecțiuni fac concertele memorabile, nu-i așa?

Cred că da, dar nu vreau ca astfel de lucruri să se întâmple frecvent. Dacă se întâmplă ceva natural și organic, este bine. S-a întâmplat ceva în afara planului și am fost transparent. Cred că aceasta este vulnerabilitatea despre care am vorbit. Vreau ca concertul meu să fie cât mai autentic.

Cum planificați un concert?

Încerc să nu repet raga și compozițiile pe care le-am cântat în acel loc în trecutul recent, dar nu puteți evita repetarea uneori dacă doriți să includeți un ghana raga, deoarece există doar un număr limitat de acestea. Și de obicei, dacă le evit într-un concert, oamenii vor întreba în mod natural de ce nu au existat Bhairavi, Thodi sau Kamboji etc. Și au și ei dreptate. Probabil, pentru a evita repetarea, voi cânta o altă compoziție sau voi folosi o ghana raga într-un Pallavi într-o zi și ca principal o altă zi etc.

Al doilea lucru este să obții o varietate de compozitori și talamuri. Și, de asemenea, varietate de ragas în ceea ce privește contrastul. Trebuie să-l iei pe ascultător în acea călătorie cu tine și, prin urmare, dai o oarecare varietate.

Depinde și unde cânt. În Tamil Nadu, cânt una sau două cântece Tamil, în Karnataka, una sau două cântece Kannada și în Kerala una sau două cântece Swathi Thirunal. Amestecă melodii cunoscute și adaugă una sau două rare. Trebuie să ne echilibrăm constant. Așa abordez un concert. Schimb lista după ce am urcat pe scenă? Da, tot timpul. După ce am ajuns la locul de desfășurare și am văzut publicul, uneori cred că planul meu nu va funcționa bine și, prin urmare, voi face schimbări în timpul jocului!

Când oamenii vin la tine cu cereri în timpul concertului, îți perturbă schema de lucruri?

Dacă primesc o cerere înainte de mână, este mai ușor să o încorporez în planul meu de concert. Uneori, aceste cereri se aliniază și gândirii tale. Uneori nu, dar nu mă deranjează. În orice caz, încerc tot posibilul să îndeplinesc cele mai multe cereri pe care le primesc în timpul concertelor. La urma urmei, este treaba noastră să cântăm ceea ce își dorește publicul.

Unii cântăreți adaugă compoziții noi în repertoriile lor pentru a-și contemporiza concertul? Spuneți, pentru a examina adăugarea poeziei moderne ca compoziție sau ca Pallavi.

Probabil că nu o fac în mod activ, deoarece există atât de multe deja acolo. Poate că aș face ceva mai conștient pe drum, când simt că este timpul potrivit.

Care este abordarea ta în explorarea ragelor?

Există, de obicei, un schelet pentru ragasele auzite frecvent și este treaba noastră să-l umplem creativ. Raga din Ghana oferă o mulțime de domeniu în acest sens. Și în majoritatea ragas-urilor, există întotdeauna sangathis-uri stabilite pe care vă puteți întoarce dacă o cale nouă pe care o luați nu funcționează. Când cânt ragaele respective, mă simt încrezător să explorez și să experimentez mai mult, în timp ce mă întorc la modelele și tranzițiile testate în timp.

Apoi, există ragas cu puțin sau deloc cadru și șablon, deoarece nu sunt cântate niciodată. Aceasta este cealaltă extremă. Aici, libertatea ta provine din faptul că există puține explorări prealabile. Când cânt astfel de ragas, aș putea încerca să fac o mulțime de lucruri noi, pentru că cine va veni să-mi spună că nu l-am cântat corect? Nu există nicio idee despre ceea ce este adecvat și acceptat în acest caz.

Sandeep Narayan primește un premiu la Academia de muzică.

Cum te descurci cu ragasele rar cântate? Cum le dezvolți cu compoziții și referințe limitate?

Cred că, pe măsură ce maturitatea mea muzicală crește, îmi apar diferite lucruri în cap. De exemplu, într-un raga rar auzit, cum ar fi Deepali, cu excepția câtorva sangathis și a unei scale, nu s-au stabilit multe. În astfel de cazuri, pot să iau o notă și să decid că acesta este punctul meu de aterizare. De obicei, nimeni nu va spune că este greșit. Dar iei un Devamanohari mai vechi și bine cunoscut ca un raga - și schimbi nota de aterizare, va suna ciudat, deoarece este deja stabilit în mintea ascultătorilor într-un anumit fel. În astfel de cazuri, identitatea raga începe să se transforme în altceva.

Dar unele dintre aceste raga rare sunt hindustani. Nu puteți folosi referințe hindustane?

Poți, dar a lor gamaka sunt diferite. Abordarea raga este diferită. Puteți imita Hindustani într-o oarecare măsură - spuneți că puteți face Pantuvarali să sune ca Basant sau Puriya Dhanashree. Aceleași note, atunci când sunt cântate în stil hindustan, vor suna diferit.

O faci uneori?

Da, o iau. Îmi place (râde). Este o preferință personală.

Acest lucru îmi amintește de o înregistrare a unui Pallavi de către TN Seshagopalan în care cântă fraze paralele între Carnatic Bhairavi și Sindhu Bhairavi (care este ca Hindustani Bhairavi). Lucrurile astea sunt foarte interesante pentru mine, dar trebuie să fii atent să nu te abatezi în notele care sunt comune cu alte ragas. Nu este un lucru ușor.

Ești un cântăreț destul de expresiv. Cum te emotionezi? De exemplu, trebuie să simțiți devotamentul personal pentru a face ca un cântec devoțional să funcționeze?

Nu în toate, dar în unele o fac. De multe ori, semnificația melodiei vă va ajuta să scoateți în evidență emoția. Uneori, emoția este acolo în raga în sine. Uneori ar putea fi o legătură cu melodia sau o legătură cu compozitorul. De exemplu, cunoaștem semnificația cântecului varugalaamo din Manji de Gopalakrishna Bharathi. Nu cânt acel cântec gândindu-mă la mine ca la cel care dorește să vadă zeitatea, dar mă gândesc emoțional la compozitorul care a scris atât de frumos și a descris o astfel de situație.

Orice raga pe care îl simțiți conectat emoțional până târziu?

În ultima vreme, am o oarecare legătură cu Thodi. Natura legăturii mele cu ragas este diferită pentru fiecare și continuă să se schimbe. Poate suna clișeat, dar am aflat că există un motiv pentru care atât de mulți artiști se întorc în special la această raga și de ce are reputația pe care o are. Este doar șapte note, dar există ceva atât de vast dincolo de asta. Simt că merg pe un tunel Thodi și învăț din ce în ce mai multe despre raga când îl cânt și, când cred că pot ieși din tunel, îmi dau seama că există și mai multe de-a face cu acest minunat raga și aprofundez chiar mai adânc.