În India, oamenii bat din palme când alții te aplaudă afară: K S Radhakrishnan

A fost unul dintre puținii artiști indieni care a contribuit la readucerea sculpturilor în centrul atenției la începutul anilor '80. Iată un tete-a-tete cu K S Radhakrishnan.

KS Radhakrishnan (Sursa: Tashi Tobgyal)

A fost unul dintre puținii artiști indieni care a contribuit la readucerea sculpturilor în centrul atenției la începutul anilor '80. A fost mediumul pe care l-a descoperit K S Radhakrishnan după ce a călătorit dintr-un sat din Kottayam în Santiniketan. Patru decenii mai târziu, lucrările sale punctează spații deschise de la Calicut în India până la Cotignac în Franța. În acest interviu, artistul în vârstă de 60 de ani vorbește despre expoziția sa în curs de desfășurare Mapping with Figures: The Evolving Art of KS Radhakrishnan la Galeria Națională de Artă Modernă din Bangalore, modul în care Santiniketan și-a influențat opera, moștenirea lui Ramkinkar Baij și Musui și Maiya, inspirațiile sale eterne. Extrase:

Rareori ai descris corpul uman în ansamblu când erai student la Santiniketan în anii ’70. Cum comparați această fază cu acum, când cifrele sunt un întreg complet?
Tocmai mă alăturasem Santiniketanului și îmi găseam propria limbă în artă. Distorsiunile erau o încercare de a privi elementele de bază ale corpului uman, trebuia să învățăm din ce să ne distorsionăm. Spre sfârșitul acelei perioade, fragmentele organice s-au transformat în structuri geometrice, corpuri subțiri și chiar un ansamblu de figuri. A fost un proces natural de evoluție. În această expoziție, încercăm să urmărim acest proces. Printre cele mai recente lucrări se numără trei sculpturi monumentale ale lui Musui și Maiya intitulate Behroopi. În acest caz, sunt cu toc peste cap. Înfățișează un fel de călătorie pe care o întreprindeți pentru a fi ridicat.

De la sfârșitul anilor ’90, Musui, tânărul băiat Santhal pe care l-ați întâlnit prima dată în Santiniketan în 1977, a rămas cu voi. El este protagonistul tău permanent. Ce te-a atras la el?
Când l-am întâlnit prima dată pe marginea drumului, el cerea pâine. Nu ne-am aștepta, dar avea un zâmbet pe față. L-am întrebat dacă va veni să modeleze pentru mine și a fost de acord. I-am plătit Rs 2. În câteva ore s-a întors, cu capul ras. Îmi găsisem Musui. A devenit un model pentru mulți alții din campus. Făcusem un studiu despre el care era prea mare pentru a fi dus când am plecat din Santiniketan spre Delhi. Așa că am decapitat sculptura și am purtat capul cu mine. La mijlocul anilor '90, m-am orientat spre el când lucram la o sculptură a unui extrasor de ricșă. L-am readus la viață pe Musui, corpul său din acest fragment de cap. De atunci, și-a asumat diverse identități, de la Isus la diavol, Nataraj și multe altele, dar zâmbetul său nu dispare niciodată. Am fost în legătură cu Musui până în 2010, când a murit.

I-ai dezvoltat și alter ego-ul feminin, Maiya. Cât de important era să o ai?
Maiya s-a născut din coasta lui Musui. Ea nu este imaginea lui în oglindă, ci o tovarășă care îl completează. Împreună, ei reprezintă fiecare bărbat și femeie. De-a lungul anilor, corpurile lor au fost modificate de nenumărate ori, au devenit aglomerate, mișcările lor au devenit fluide, aproape ca și cum nu ar avea oase.

O mare parte din munca dvs. are referințe personale, amintiri din Kerala - felinare, adăposturi acoperite cu țiglă, bărci. Asta e casa care îți lipsește? Seria ‘Human Box’, despre migrație, este și autobiografică în acest sens?
Totul provine din amintirile personale ale copilăriei mele din Kerala, din ceea ce am văzut și poate din lucruri care dispar încet. O mulțime de artă provine din experiențe personale și este un răspuns la ceea ce vede artistul sau este afectat de acesta. Puteți spune că „Cutia umană” se bazează pe călătoria mea, de la Kerala la Santiniketan până la Delhi. Prima dintre acestea a fost realizată în 1998. A reprezentat o serie de figuri mici care zboară pe suprafața unei cutii mici. Cutia a devenit, de asemenea, o emisferă, cu figuri care zboară spre nord.

cum se numeste un paianjen alb

Ce v-a determinat să călătoriți de la Kottayam la Santiniketan? Majoritatea artiștilor din sudul Indiei în acele zile mergeau invariabil la Madras College of Art.
Da, asta era norma. Și eu încercasem, dar simt că era o părtinire împotriva artiștilor Malayalee la școala din Madras. Desigur, tradiția Santiniketanului mi-a oferit mult mai multă energie. Renașterea din Bengal a fost doar extraordinară. A fost o instituție înființată de (Rabindranath) Tagore pe anumite idealuri. Venind de la Kottayam, era un loc cu care mă puteam conecta mai mult; învățam direct de la natură. Am fost expus la sculpturi imense în aer liber, în timp ce lucram cu mari, cum ar fi Ramkinkar Baij și Sarbari Roy Chowdhury.

Care au fost primele tale lecții de artă?
Am început să pictez când aveam încă opt ani, inspirat de unchiul meu PN Narayanan Kutty. El lucra în stilul de artă Raja Ravi Varma. Am lucrat acolo până la vârsta de 18 ani, când mi-am dat seama că există limitări în ceea ce privește unde mă poate duce. Atunci m-am mutat la Santiniketan. Am început să lucrez cu materiale precum argila și tencuiala din Paris și mi-am dat seama că temperamentul meu era mai înclinat spre sculpturi decât pictură, puteam să sculptez o piatră și, în acest proces, să descopăr o formă ascunsă în interior. Aici am descoperit și bronzul.

Vi se pare ironic faptul că succesul dvs. internațional din anii 1990 a făcut ca oamenii din India să privească munca dvs. într-o nouă lumină?
Când solo-ul meu s-a deschis la Centre des bords de Marne din Paris în 1993, ambasadorul indian de atunci în Franța, care venise pentru deschidere, a spus că este unul dintre cele mai mari realizate de un sculptor indian din Paris. Știam că au mai fost multe altele, dar răspunsul a fost încurajator. În India, oamenii bat din palme când alții te aplaudă afară. De asemenea, am avut o oarecare expunere prin fotografiile lui Prabuddha Dasgupta, cu care am împărtășit o relație foarte specială. Mi-a fotografiat sculpturile aproape 30 de ani - din 1987 când mi-a fotografiat micile mele bronzuri din Mumbai până la lucrarea pe care am făcut-o în satul Khirki din Delhi în 1990 și seria „Câmp de grâu din Obson Ville în Franța” în 1991.

Ați organizat o retrospectivă a lui Ramkinkar Baij la NGMA în 2012. Cât de provocator a fost asta?
La deschiderea spectacolului, KG Subramanyan a făcut o declarație interesantă. El a spus că organizarea unui spectacol al operei lui Ramkinkar este coșmarul oricărui istoric de artă, având în vedere că există atât de puțin de trecut în ceea ce privește documentația. Nu a fost deloc ușor. Tot de care se putea depinde cu adevărat erau expoziții organizate în Santiniketan, organizate de studenți în anii cincizeci și șaizeci. Ramkinkar însuși a semnat unele dintre tablouri mult mai târziu, așa că există o mulțime de confuzie pe acest front. De asemenea, Ramkinkar a fost foarte liberal în despărțirea de munca sa, așa că mulți dintre ei au ieșit din studioul său fără a fi înregistrat. În acel moment, comerțul nu era deloc o preocupare. Ramkinkar și-a folosit picturile pentru a preveni scurgerea apei în casa lui, a pictat pânze de mai multe ori, deoarece uneori nu-și putea permite o pânză nouă. Unele dintre picturile sale au fost realizate pe pânză de iută și cearșafuri. El a fost o instituție de unul singur.

Cât de mult din el și Roy Chowdhury vedeți în propria lucrare?
Mai mult decât orice altceva, sper că arta mea reflectă tipul de relație pe care au împărtășit-o cu arta lor; sensibilitatea de bază a relației pe care un artist o împarte cu munca sa. Este conexiunea care trebuie stabilită între producător și ceea ce se face. Este periculos dacă acest lucru este pus la îndoială. În zilele noastre, artiștii doar semnează și creează idei. În acele vremuri, chiar și o amprentă digitală a operei ar însemna că a fost a artistului.

cât de des udați plantele de interior

Ești unul dintre puținii artiști din generația ta care fac multe lucrări publice în aer liber. Ați donat multe dintre ele, inclusiv Coloana Patrimoniului de la Grădina celor cinci simțuri din Delhi.
Am decis să păstrez deoparte niște bani pentru lucrări publice mari. Dacă Baij ar putea face atât de mulți dintre ei, aș simți că aș putea și eu. Am vrut să-i duc mai departe moștenirea. Mai mult, în India nu prea vedem multe lucrări publice; aceasta este încercarea mea de a ajunge. Pentru a evita limitările cererilor externe, am decis să rămân liber și să arunc sculpturi publice doar ca donații. Deoarece nu mă plăteau, aș putea rămâne independent pe întregul proiect. În prezent, fac două dintre ele - una pentru promenada de lângă râul Mandovi din Panjim; se va așeza un portal mare ca un impui Musui. Și încă un Behroopi pentru orașul meu natal, Kottayam.